En septembre dernier j’avais publié, dans la longue série d’entretiens avec Alain Villain, fondateur des disques STIL, son évocation de l’organiste Jean Boyer et des disques qu’ils avaient enregistré pour STIL :

J’ai le plaisir de proposer à présent la publication d’un entretien avec l’organiste Georges Guillard à propos de Jean Boyer qu’il a bien connu et beaucoup aimé…

YR : Quand avez-vous eu l’occasion de rencontrer pour la première fois Jean Boyer ?

Georges Guillard : C’était à l’occasion de la parution de son premier disque consacré à l’orgue de Gimont, dans le Gers, en 1971. Cet enregistrement a produit un effet foudroyant sur les jeunes organistes dans les années soixante. J’ai été subjugué, comme tant d’autres, par la qualité exceptionnelle de cette réalisation des disques STIL, qui a remporté d’emblée un Grand Prix du Disque à une époque où celà avait une réelle valeur.

YR : Qu’est-ce qui était à ce point “subjuguant” dans cet enregistrement ?

GG : Il y avait d’abord le programme, magnifiquement composé de pièces rares. Puis, l’interprétation, qui tranchait sur beaucoup de réalisations contemporaines par sa fraîcheur. Cela tenait, d’une part, au choix des registrations, évidemment, mais surtout à la sagesse et la juvénilité du jeu qui témoignaient d’un engagement musical remarquable. J’aurai souvent l’occasion de dire que Jean Boyer, pour moi, incarnait la lucidité.

YR : Vous étiez déjà organiste, et même un organiste chevronné…

GG : Oui ! J’ai été conduit à cette réflexion par une association de passionnés, l’Association française pour la sauvegarde de l’orgue ancien (AFSOA), qui, en 1968, œuvrait vigoureusement pour la résurrection de la musique ancienne, affadie par l’instrument dit néo-classique. Cette expérience m’a amené à revoir toutes mes conceptions de l’orgue à la lumière des véritables enjeux de ce répertoire. Auparavant, je jouais ce que m’avaient appris mes professeurs ; ils étaient excellents, certes, mais très éloignés de ce que Michel Chapuis a inoculé, si j’ose dire, dans le paysage organistique français. Michel Chapuis, Francis Chapelet, André Isoir, Xavier Darasse en France, ainsi que quelques étrangers clairvoyants en Italie ou en Allemagne, furent les moteurs qui nous ont obligés à réviser nos conceptions de la musique ancienne. Je n’aurais garde d’oublier Marie-Claire Alain !

YR ; Pourriez- vous tenter d’expliquer à un public profane ce qu’ils ont introduit ?

GG :. Cela passait d’abord par la redécouverte d’instruments historiques souvent en mauvais état. Le premier exemple est celui de Michel Chapuis qui, habitant à Dole, est tombé amoureux de l’instrument de sa cathédrale. Avec l’aide de certains musicologues, il a saisi qu’il ne fallait pas brusquer ces instruments en leur imposant n’importe quel répertoire, mais au contraire partir des œuvres les plus adaptées à leur facture. Enfin, cela supposait une révision drastique de toutes les facettes de l’interprétation : ne plus utiliser les registrations en usage à l’époque néoclassique ou romantique, mais se replonger dans les traités, et en particulier le plus fameux d’entre eux, celui de Dom Bédos, qui devint notre bible vers 1964.

Nous en avons été récompensés par l’instrument de Saint-Séverin à Paris, restauré par Alfred Kern sur les conseils de Michel Chapuis. Pour nous, organistes parisiens, ce fut un éblouissement ; nous n’avions jamais entendu une telle fête sonore. Jouer sur ces instruments allait obliger les organistes de l’époque à repasser, en quelque sorte, leur permis de conduire ! Il n’était plus question de virtuosité à tout crin ou de tutti racoleurs. Il fallait au contraire soigner le toucher et l’articulation pour faire en sorte que le discours musical — car le discours est le maître mot de cette musique — soit le plus intelligible possible pour l’auditeur.

Je connaissais déjà un peu Jean par son disque de Gimont. Il était organiste à Saint-Nicolas-des-Champs tandis que moi-même j’officiais à Notre-Dame-des-Blancs-Manteaux. À peine deux cents mètres séparaient nos deux églises, et des liens se sont noués progressivement. Dès que j’ai fait sa connaissance, malgré nos dix ans d’écart, j’ai immédiatement compris que j’étais face à un Maître. Il possédait une conscience infiniment respectueuse des instruments et de la littérature ancienne.

À Saint-Nicolas-des-Champs, par exemple, l’instrument était en très mauvais état. Jean en a pris conscience dès sa nomination, mais il s’est opposé à toute restauration hâtive. Il estimait qu’il fallait d’abord « éplucher » l’instrument pour entendre ce qu’il était capable de donner, sans se précipiter, au risque d’en fausser le potentiel sonore. C’était la sagesse même. J’ai entendu une dernière fois l’orgue de Saint-Nicolas-des-Champs sous ses doigts au cours d’un concert que je lui avais organisé pour France Musique. Il sonnait magnifiquement, car Jean savait comme personne choisir les mélanges les plus flatteurs.

YR : À cette époque, il y a eu une véritable vogue d’instruments rénovés selon cette esthétique, n’est-ce pas ?

GG : Tout à fait. Cette prise de conscience a été rendue possible grâce à un facteur remarquable, Alfred Kern. Sur les conseils éclairés de Michel Chapuis, il a créé l’instrument de Saint-Séverin qui était alors unique à Paris. Alfred Kern est ainsi devenu persona grata dans la capitale : Dominique Merlet lui a commandé les Blancs-Manteaux, puis vinrent Notre-Dame-des-Victoires , Ste-Jeanne de Chantal, etc. Tous ces instruments apportaient un souffle nouveau par rapport à l’orgue néo classique qui régnait alors. Et harmonia mundi lançait une délicieuse collection « Orgues historiques » qui interpellait le mélomane curieux. Songez qu’on entendait désormais les instruments de Covarrubias ou Frederiksborg dans les allées des disquaires !

Mais, bien que l’orgue néoclassique ne fût pas ma tasse de thé, je me suis souvent opposé à la destruction systématique de ses témoins. C’est la musique qui commande, et je me demandais sur quel instrument nous pourrions jouer Jehan Alain, Maurice Duruflé ou Charles Tournemire si nous supprimions imprudemment ces orgues qui parlaient leur langue. Cette esthétique néoclassique avait été instituée essentiellement par le musicologue Norbert Dufourcq, l’organiste André Marchal et le facteur Gonzalez. Leur dessein était de promouvoir des orgues sur lesquels on pouvait « tout jouer ». Évidemment, le résultat, comme on s’en est aperçu plus tard, était qu’on y jouait tout, mais médiocrement… Comment, en effet, interpréter Couperin sur un instrument qui flatte plutôt Franck ou Dupré ? Leur pari était risqué. Pourtant, c’était passé dans les mœurs. André Marchal, immense musicien au talent instinctif, apportait sa caution, mais il n’a sans doute pas saisi à temps l’enjeu de cette facture « historiquement informée ».

La réaction de l’AFSOA fut tout sauf paisible ! Et la tempête qu’elle a déchaînée alimente encore de belles polémiques – encore que plus bénignes aujourd’hui. Vae victis !

YR : Après la période Kern, comment voyez-vous les dernières tendances de la facture d’orgue ?

GG : Les facteurs français ont tiré parti des leçons de leurs aînés. Des noms se sont imposés : Aubertin, Quoirin, Muno, Fossaert, etc.

Il faut aussi citer les facteurs étrangers, notamment Jürgen Ahrend, qui a bouleversé le paysage. Chez lui, tout était d’une exigeante qualité : l’abattage des bois, leur conservation pendant dix ans, le dosage des métaux, une mécanique impeccable, presque clavecinistique, et une harmonisation délectable. Ahrend était le chef de file de cette maîtrise sans égale. Lorsque j’ai voulu faire refaire l’orgue de Saint-Louis-en-l’Île, c’est à lui que je me suis adressé. Je me suis battu pendant vingt –cinq ans pour que cet orgue existe, mais pour des raisons qui tiennent autant à l’imprudence du facteur qu’à la rigueur administrative des marchés publics français, mon rêve d’un Ahrend à Paris ne s’est jamais réalisé.

YR : Peut-on dire qu’aujourd’hui il n’y a plus d’esthétique dominante, mais seulement des cas particuliers ?

GG : C’est très justement dit. De nombreux facteurs ont désormais à cœur de signer leurs instruments. Je pense à Gerhard Grenzing, par exemple, dont les réalisations sont très personnelles et reconnaissables.

Mais les facteurs français ne déméritent pas – loin s’en faut. Encore faut-il que le mécénat vienne à leur secours, pour pallier le désengagement de l’Etat.

À cela s’ajoute la problématique des instruments de salles de concert. C’est un mal nécessaire pour les grands relais nationaux tels que Radio-France ou la Philharmonie, afin de rapprocher cet instrument spectaculaire mais intimidant, fortement connoté « sacré », d’un public et d’un répertoire plus large.

Les donneurs d’ordre exigent une polyvalence qui n’est pas sans inconvénients. Et il faudrait persuader ce nouveau public – par l’éducation – que les provinces européennes regorgent d’instruments typés, chaleureux, éloquents, pour peu que l’organiste s’en donne la peine. Mais le temps n’est plus où un jeune diplômé de Conservatoire faisait souche à l’ombre d’un instrument dont il devenait de facto le conservateur.

En bref, préférer le local à la grande distribution !

Pour en revenir à Jean Boyer, je souhaiterais insister sur le fait qu’il était aussi un écrivain, et un professeur exceptionnel. Ses articles, bien que trop peu nombreux, sont d’une profondeur et d’une lucidité incroyables. À sa mort, je m’étais donné pour mission de rassembler ses écrits. Cela m’a pris vingt ans, et malheureusement, ils ne sont pas encore édités. C’est un grand regret, car c’est un enseignement remarquable pour les générations actuelles. Le manuscrit est prêt, mais les éditeurs considèrent cela comme une « niche » trop restreinte. J’ai un peu baissé les bras : je devrais remonter au créneau car, lorsqu’on le lit, on est conquis par son enthousiasme.

Sa pédagogie au CNSM de Lyon était tout autant admirable. Il n’a jamais revendiqué qu’un seul professeur, le flamboyant Xavier Darasse. Et il a su en passer le témoin. Son assistante, Lisbeth Schlumberger m’a prêté un jour ses cahiers de préparation : pour chaque étudiant et chaque cours, Jean Boyer élaborait un argumentaire serré pour amener progressivement l’étudiant au plus haut niveau de compréhension, et d’interprétation.

Enfin, je voudrais souligner le contact privilégié que Jean Boyer a développé avec Alain Villain. On sait combien il pouvait être difficile d’approcher Villain, mais entre eux, ce fut une sorte de miracle professionnel. Villain a mis le meilleur de lui-même dans les enregistrements de Jean : je pense à Grigny, à Boëly, et bien sûr à Bach. Les Dix-huit Chorals de Bach, qu’ils ont appelés les « chorals-poèmes » dans le coffret qui a été édité, sont de pures merveilles. Grâces leur soient rendues. Ma conclusion sera brève : Jean Boyer, le Musicien, le Juste…

YR - Parlons quand même un peu de de vous et de vos travaux actuels, pour finir… Parlons de ce Requiem d’Elisabeth Jacquet de la Guerre qui vous a bien occupé ces derniers temps…

En 1721, Élisabeth Jacquet de La Guerre a composé un Te Deum à grands chœurs, qui fut exécuté dans la chapelle royale du Louvre (l’Oratoire actuel) pour la convalescence du futur Louis XV, dernier dauphin de Louis XIV. Le fait est documenté par Titon du Tillet, source généralement fiable. Hélas ! La musique en est perdue, et les chances de la retrouver sont minces, voire nulles.

Je me suis donc efforcé de proposer une reconstitution plausible à partir de la musique de cette autrice. Il n’y a pas une seule note de moi ! J’ai puisé dans le trésor de sa musique vocale et instrumentale, choisi les pièces capables de supporter la flexible prosodie latine du Te Deum, et ajusté le caractère de ces pièces aux nuances du texte liturgique, en m’inspirant d’un modèle prestigieux : son collègue Marc-Antoine Charpentier.

Puis, j’ai testé l’œuvre en public et j’ai recueilli tant les louanges des interprètes que celles de publics fort divers. J’ai enfin demandé pour Élisabeth le patronage de son voisin le plus proche de l’île Saint-Louis, l’académicien Frédéric Vitoux — mémoire de l’île s’il en est —, remis le tout sur le métier au diapason 415 Hz, remué… et servi au cours d’un enregistrement à paraître bientôt !

Propos recueillis en novembre 2025

À propos Georges Guillard

Fondateur du département de musique ancienne au CRR de Paris, docteur en musicologie et professeur agrégé à l’université Sorbonne Paris-IV, Georges Guillard a été titulaire du grand-orgue Kern de Notre-Dame des Blancs-Manteaux ainsi que de celui de Saint-Louis-en-l’Île à Paris.

Producteur délégué à Radio France pour divers cycles consacrés à l’orgue, il anime également une intégrale des cantates de J.S. Bach à Paris. Interprète engagé dans la création contemporaine, il a créé des œuvres pour orgue de compositeurs tels que Giacinto Scelsi, Olivier Alain, Michèle Reverdy, Jacques Castérède ou Bernard Foccroulle.

Il est l’auteur d’un ouvrage de référence dans la collection « Que sais-je ? » sur l’orgue de J.S. Bach. Sa discographie est marquée par l’enregistrement de l’intégrale des œuvres vocales et instrumentales de Jehan Alain, ainsi que par des premières mondiales d’œuvres de Gottfried August Homilius (1714–1785) et des cantates bibliques d’Élisabeth Jacquet de La Guerre.

Dernière parution discographique :

Girolamo Frescobaldi : “Alla francese” L’art de la variation, de la danse et du chant

• Elsa Sirodeau, mezzo-soprano

• Georges Guillard, orgue J.-B. Micot (1771) de Saint-Pons-de-Thomières (Hérault)

• Label : Côté Ut dièse, 2025

• Référence : CUD251

Note : Ce disque est disponible uniquement sur le site du label

Consulter les autres enregistrements de Georges Guillard (CD et numérique) en cliquant ici !

Bien sûr qu’il faut aller voir Nous, l’orchestre : cela ne fera de mal à personne. Mais tant qu’à faire, n’y allez pas seul : profitez de la période des vacances, emmenez vos enfants, empruntez-en si vous n’en avez pas ! Et, si vous êtes chanceux au point de travailler à l’Éducation nationale ou dans l’enseignement, exigez des crédits pour y emmener vos élèves ou organiser une projection dans votre établissement : cela leur donnera au moins une porte d’entrée sensible à l’orchestre et à la musique classique, puisque le service public leur programme désormais Jul et Sofiane Pamart à longueur de journée.

Quant à vous, si vous vous attendez au chef-d’œuvre partout encensé, vous serez, je le crains, déçu. À titre personnel, je n’ai pas été conquis par Philippe Béziat dans ses différents travaux depuis ses débuts, il y a bien longtemps, quand il a filmé en 2004 Ta bouche, opérette de Maurice Yvain telle que produite par la compagnie Les Brigands sous la baguette de Benjamin Levy. Depuis lors, le réalisateur a fait tout un trajet musical souvent salué par la presse. Mais cette fois, la campagne de promotion a été d’une telle unanimité et la distribution en salle d’une envergure si surprenante, avec tant d’écrans mobilisés, que j’ai pris mon billet, et même recherché un cinéma (L’Escurial, à Paris) où la projection rendrait justice aux qualités immersives tant vantées par la presse.

Pas de surprise majeure : Béziat n’a toujours pas atteint les qualités d’un documentariste bien fascinant ; il a toujours du mal à s’extraire de l’exercice de la captation où il a fait ses classes, quand bien même il rajoute quelques idées et dispose en revanche de bien davantage de moyens et de temps. On le sent pourtant à plusieurs reprises désireux de prendre sa liberté par rapport aux donneurs d’ordre que sont ici les coproducteurs : la Philharmonie de Paris, le chef Klaus Mäkelä et ses agents de publicité. Mais ce n’est pas la liberté qui lui manque, je le crains, tant que la capacité à dire des choses artistiquement, au-delà des gentillesses inclusives.

Il y a quand même de jolis moments : Herbert Blomstedt caressé par la caméra, les portraits de ces individualités de l’orchestre, pas très beaux ni apprêtés, ce qui nous évite les images lisses des documentaires allemands sur Arte. D’autres sont fastidieux : suivre dans une rue de banlieue une violoniste du rang qui téléphone à sa maman en Arménie. Le dernier concert de Michel Garcin-Marrou tire un peu sur la corde du sentimental. Cela plaira, mais ce n’est ni du neuf, ni du cinéma. Positif en bave des ronds de chapeau pourtant.

J’ajouterai que le sujet de l’orchestre et de son microcosme est universel : un tel sujet aurait gagné à être tourné avec n’importe quel orchestre, même celui d’une petite ville en Allemagne ou en Tchéquie, ou à Covent Garden, ou dans une ville d’Ukraine où certaines formations sont héroïques actuellement. Les après-concerts auraient partout été moins déprimants qu’à la Philharmonie de Paris. On aurait évité l’autocomplaisance non pas des musiciens eux-mêmes (un peu tous les mêmes braves gens partout dans le monde), mais celle de l’institution autocentrée, autosatisfaite, qui a cofinancé ce film à sa propre gloire, sous le regard précautionneux de son sémillant chef-prodige Klaus Mäkelä, en contrôle total de son image. On aperçoit même perler à l’écran, ô miracle, quelques gouttes de sa sueur et on se prend à rêver d’une scène de sexe, comme au cinéma, le vrai. Mais non, elle n’aura pas lieu. Et il ne parle pas, ou presque pas : ce serait plus cher. Les bons moments du film sont insérés dans un déroulé un peu foutraque qui slalome entre les contingences.

C’est une qualité du film de refuser les interviews conventionnelles, au point de mettre en place un drôle de système où les gens sont interrogés micro éteint, sans le son, leurs paroles étant ensuite inscrites à l’écran sous la forme d’un carton. Il y a là un geste un peu précieux dans la forme, qui fonctionnait davantage chez Charlie Chaplin au temps du cinéma muet. D’ailleurs, dans la salle où j’ai vu le film, une dame s’est d’abord écriée : « Le son, le son ! » avant de comprendre que c’était un effet de style.

J’en viens à la promesse d’immersion : on nous dit que des moyens considérables ont été mobilisés grâce à la Philharmonie pour installer quantité de micros dans l’orchestre et placer le spectateur au milieu de la fourmilière. Bof, bof. Du moins dans la salle où j’ai vu le film, la présence de la musique souffrait au contraire d’un problème de niveau sonore au mixage. Une fois n’est pas coutume, le niveau était insuffisant, l’image sonore plate et même les effets de spatialisation bien maigres, sauf au générique, où ils voulaient se signaler. Et ce n’est pas à cause du projectionniste.

Quant au répertoire, je dirai que le film déçoit car on n’entend pas beaucoup de musique, que la musique ne baigne pas ce film, curieusement. Il s’en tient (hormis les passages avec Blomstedt et Yuja Wang) au répertoire enregistré commercialement par Mäkelä (pour Mäkelä Records sous licence Decca, nous précise le générique) et à des œuvres telles que le Sacre ou la Deuxième de Mahler, qu’on aurait pensé avoir été choisies pour faire de l’effet sur le public : or, par manque de volume, on reste à la porte, on regarde, on ne vibre pas. Les moments de la Huitième de Mahler sous la direction de Daniel Harding sauvent l’ensemble. Puisque ce film devrait aussi informer, il eût été souhaitable que les œuvres soient aussi signalées quand on les écoute, et pas seulement créditées à la fin, puisque le film n’est pas avare de cartons.

J’ajouterai que, volontairement ou involontairement, je ne sais pas, d’une certaine manière le film jette un regard cruel sur les conditions de travail des musiciens de l’Orchestre de Paris. Oh, certes, ils bénéficient d’un écrin moderne, encadré, protecteur, avec des appariteurs munis de talkies-walkies pour entrer en scène ou les gronder s’ils arrivent en retard, des écrans de télé partout et des loges bien propres ! Mais l’arrière-plan visuel qui nous est souvent offert — et je ne vois pas que ce soit un hasard, bon point ! — est celui de l’environnement toujours aussi dégueulasse de la Philharmonie de Paris, plus de dix années après son ouverture, avec ses graffitis et le périphérique imperturbable aperçus à travers les baies vitrées. Quelques clichés institutionnels extérieurs, de type syndicat d’initiative, nous sont imposés en bonus pour mettre en valeur cette laideur enfantée par Jean Nouvel et la tristesse du chemin qu’il faut parcourir sous la pluie et le vent vers le métro et les kebabs.

Comme j’en étais là de mes réflexions, le souvenir de deux films m’est venu à l’esprit. Tout d’abord, le croquignolesque mais charmant Prélude à la gloire, qui fut réalisé autour de la figure de Roberto Benzi garçonnet par Georges Lacombe en 1950. Je l’avais vu en colonie de vacances et il m’avait donné envie d’aller écouter des orchestres. C’était un docu-fiction avant l’heure mais, en somme, un vrai film de cinéma, même s’il n’était pas bon.

Et puis, plus récent, intelligent et vrai, qui disait des choses justes et cruelles sur l’orchestre et son monde : Tár, de Todd Field, avec Cate Blanchett, sorti en 2023. Le réalisateur et les conseillers de ce film (qui a suscité des protestations et n’a pas beaucoup plu à Marin Alsop, on se met à sa place) avaient su à l’évidence, dans cette fiction, approcher de bien plus près la vérité de la vie d’un orchestre, de sa petite société, de son administration. Et ce ne sont pas des propos anonymes de musiciens qui se lâchent un peu, ajoutés par le moyen de cartons (encore), qui font du cinéma.

Mon sentiment final est qu’au-delà d’avoir une gentille petite action pédagogique et de sensibilisation s’il est présenté dans les écoles, ce film n’est pas très bon et que le concert de louanges qui l’acclame est tout de même inquiétant quant à sa crédibilité. D’une part, pour un film, un livre ou une pièce de théâtre, former des partenariats en amont avec la presse, ce qui est devenu un standard, est d’une sottise inouïe : chacun son métier, et les enthousiasmes des « partenaires » seraient plus crédibles s’ils n’étaient pas impliqués sur l’affiche. D’autre part, il ne faudrait pas, et c’est une question de principe, pour réaliser un film documentaire, accepter l’argent du sujet qu’on est amené à portraiturer. On n’est plus sous François Ier, et Philippe Béziat, assurément, n’est pas Léonard de Vinci.

Nous l’orchestre - Réalisation : Philippe Béziat Production : Philippe Martin (Les Films Pelléas) Coproduction : Philharmonie de Paris Distribution : Pyramide Distribution Durée : 1h30 Sortie en salles : 22 avril 2026

Deux figures du piano nous ont quitté cette semaine, et le remarquable Michael Tilson Thomas, figure magnifique, inventive, brillante.

• La pianiste Ruth Slenczynska est partie rejoindre les étoiles à cent ans et quelques semaines…

Cette petite dame était est une vraie légende du piano du XXe siècle. Et elles ne sont plus si nombreuses encore parmi nous, les légendes du piano ! Decca a réédité beaucoup de ses enregistrements américains. Le coffret, vendu sous forme physique est pour sûr accompagné d’un livret de quelques pages. En numérique il n’en est rien, une fois de plus. À 96 ans, elle avait même enregistré un album magnifique et crépuculaire.

Si vous ne connaissez pas, je me permets de vous renvoyer à sa fiche Wikipedia mais pas seulement : il y a beaucoup de documentation disponible sur cette artiste merveilleuse, enfant prodige maltraitée et malheureuse (elle a publié un livre Forbidden Childhood dans lequel elle raconte sa terrible enfance), qui fut élève d’Arthur Schnabel, d’Alfred Cortot, de Josef Hoffmann et de Rachmaninov (excusez du peu !) et à son tour pédagogue passionnée. Je la revois encore quand j’ai eu le bonheur de la rencontrer il y a quelques années à Paris en compagnie de sa sœur : elle venait de faire son come-back à Carnegie Hall !

Earl Wild, qui l’aimait beaucoup, a publié de nombreux enregistrements sur son label Ivory Classics qui ne sont pas les mêmes que ceux réédités par Decca. Ils sont presque tous disponibles en numérique sur Qobuz.

Ruth avait joué devant la plupart des présidents américains depuis un siècle, à commencer par Harry Truman !

• Pourquoi Jean-Bernard Pommier (né en 1944 et mort récemment) a-t-il quant à lui de la sorte disparu du circuit des concerts, si tôt, dans la fleur de l’âge ? Je n’en sais rien. Il avait, parait-il un sacré caractère. C’était l’un des plus grands pianistes français, qui combinait une somptueuse sonorité et le sens de la forme, une autorité au clavier d’une classe rare.

La plupart de ses disques sont disponibles en numérique sur les plateformes de streaming. J’avais commencé à le découvrir quant à moi avec son “Empereur” de Beethoven, un disque originellement paru au Club Français du disque en 1963 puis souvent réédité. Son intégrale des Sonates de Beethoven parue chez Virgin est passionnante, ses Mozart superbes - sa disparition est une très grande perte.

En 2013, dans l’émission “Le Matin des musiciens”, Philippe Cassard recevait jean-Bernard Pommier.

Petite réflexion en passant…

Imaginez un instant que, dans un réflexe semblable à celui des centaines de littérateurs édités par Grasset qui ont osé se révolter contre Bolloré, les artistes de musique classique du catalogue Universal Music (firme détenue par Bolloré à 28 % environ), ou récemment acquis par Universal Music, ou dont les enregistrements sont licenciés à Universal Music pour exploitation, ou qui sont tombés malgré eux, vendus avec les meubles dans les mains de la pieuvre de la distribution numérique constituée par Universal Music à travers le rachat de Downtown Music — imaginez, disais-je, que tous ces artistes disent : « On s’en va ! ». « On ne veut plus confier notre musique à Bolloré, ni que la distribution de notre musique en dépende ! »
Cela aurait de la gueule.
Allez ! Qui signe pour la révolte ?

À ce propos, je n’étais pas revenu dans Couacs Info sur le sujet du rachat par Universal Music de Downtown Music.
Il y a un peu plus d’un an, en mars 2025, j’y consacrais très tôt un article quand ce n’était encore qu’un projet :

Rappelons que depuis l’avènement de la musique numérique la distribution des enregistrements s’est incroyablement concentrée. Les plateformes de musique en ligne sont mondiales et peu nombreuses, quand il existait des centaines de milliers de disquaires dans le monde ; et, pour servir ces quelques plateformes il existe un nombre très limité de solutions techniques intermédiaires qui amènent aux plateformes de streaming ou de téléchargement l’ensemble de la production et des fonds de catalogue.

Cette ultra-concentration, la mauvaise qualité des livraisons par ces intermédiaires, leur inadaptation à la musique classique et la modestie des moyens déployés par les plateformes de streaming et de téléchargement pour traiter une avalanche de nouveautés aboutit à l’insatisfaction des amateurs et à leur adhésion tardive au streaming. Universal Music est déjà dominant, mais cela ne leur suffit pas. Ils veulent tout bouffer en rachetant maintenant une société, Downton Music qui possède les solutions CD Baby, Fuga et Songtrust, toutes sociétés utilisées par les labels indépendants pour leur distribution. Cette volonté de concentration d’Universal est d’une engeance pour ainsi dire trumpienne : elle conduirait à une sorte d’exclusivité d’accès aux plateformes, piégeant au passage les labels dont les contrats courent encore avec les sociétés rachetées, et, pour aller ou ?”

Et je terminais :

Pour la production et les labels classiques cette concentration de la distribution intermédiaire est aussi de mauvais augure : ils souffrent déjà de règles de répartition iniques ; d’une gestion inadaptée de leur genre musical, maltraité par les distributeurs numériques, maltraité par la plupart des plateformes. On imagine la situation des nouveautés indépendantes se pressant à l’avenir à aux portillons des plateformes quand le gardien sera un employé Universal qui ne manquera pas d’y privilégier ses contenus.

Fin du film un peu plus d’un an plus tard : le danger s’est concrétisé.

Universal Music, en dépit des protestations, a obtenu le feu vert de la Commission européenne pour racheter Downtown Music et ses marques. Exactement comme redouté, les labels indépendants classiques, dans leur très, très grande majorité, se trouvent aujourd’hui distribués en numérique par des filiales de Majors, et en particulier par Universal Music et ses marques « cache-sexe », puisque nombre d’entre eux avaient choisi avec Fuga un distributeur alors indépendant, aujourd’hui tombé dans l’escarcelle d’Universal Music.

Et, plus que jamais, le disque classique se trouve dans une impasse commerciale.

Depuis vingt ans, sa distribution numérique est un train fantôme.

Mais les labels continuent à faire paraître des disques qu’ils financent de moins en moins et pour lesquels ils ont plus ou moins abdiqué sur le plan de la rentabilité, encouragés à singer les méthodes de la musique pop, comme un poulet qui continue de courir sans sa tête…

Deezer : un bilan financier cinglant

L’heure du bilan a-t-elle sonné, ou au moins celle de la vérité ? La vérité, en tout cas, est cinglante pour Deezer.

Le journaliste Philippe Astor, un vétéran, vient de publier sur son Substack MusicZone une enquête en forme d’analyse chirurgicale de l’aventure Deezer. Ce document est en accès libre pendant quelques jours. J’en recommande la lecture, édifiante. C’est long, extrêmement bien documenté, très précis sur les chiffres, et cela ne fait aucun cadeau à la plateforme, alors que son auteur n’avait jamais particulièrement marqué d’animosité à son égard.

La vérité qui y est exposée est d’une cruauté gravée à l’acide. Elle devrait surtout faire rougir de honte tous ceux qui, depuis des années, se sont contentés de « servir la soupe » à ce qui fut une très éphémère pseudo-licorne française. L’enfumage constant de Deezer en termes de relations publiques a conduit bien des journalistes complaisants, bien des « experts » autoproclamés et aussi bien des cabinets politiques à soutenir Deezer aveuglément, quitte à sacrifier les acteurs français de la musique en ligne créés à la même époque, qui existaient bel et bien et qui auraient tous mérité leur chance. Pour rappel, Virgin et la Fnac ont tenté l’aventure et y ont beaucoup dépensé ; il y avait aussi MusicMe, Qobuz — heureusement rescapé — et d’autres que j’oublie. Il n’est pas jusqu’aux dernières initiatives de Deezer dans sa prétendue « lutte » contre les contenus IA qui ne soient encore de l’intox : de quoi se mêlent-t-ils ? Se cherchent-t-il une cause pour changer de métier ? Que ce soit alors, et d’abord, celle de la musique, de la segmentation des offres, de l’augmentation de l’ARPU, et du consentement à payer, de la singularisation puisque au niveau international, comparé à Spotify, Deezer est un nain. Mais il y a un point supplémentaire à introduire…

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Pourquoi martha ? Pour faire référence à Martha Argerich, bien sûr. Une artiste à tous égards admirable, on est d’accord, mais devenue, par son extraordinaire indulgence, cette icône dont tout le monde se réclame et que chacun vénère. Quoi de plus consensuel, donc, que de donner son prénom à une newsletter ? Fallait oser.

Profession de foi :

martha vous fait vivre la musique de l’intérieur. Je vous propose une plongée dans les coulisses du métier d’interprète. À travers des récits personnels, des histoires, des initiatives... Le piano est mon fil rouge : instrument versatile par excellence, il fait dialoguer tous les genres musicaux.

Quand les grands titres de presse dégraissent, congédient leurs collaborateurs — une habitude ces dernières années — ou disparaissent tout bonnement, on pourrait espérer que ces journalistes, reprenant leur liberté sous forme de lettres (sur le modèle de Substack, l’outil dont Couacs s’est saisi dès 2020), produisent un contenu plus libre, plus singulier, plus original,

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Bilan et vérité :
l’aventure Deezer à l’épreuve des faits

L’heure du bilan a-t-elle sonné, ou au moins celle de la vérité ? La vérité, en tout cas, est cinglante pour Deezer.

Le journaliste Philippe Astor, un vétéran, vient de publier sur son Substack MusicZone une enquête en forme d’analyse chirurgicale de l’aventure Deezer. Ce document est en accès libre pendant sept jours. J’en recommande la lecture, édifiante. C’est long, extrêmement bien documenté, et cela ne fait aucun cadeau à la plateforme, alors que son auteur n’a jamais particulièrement marqué d’animosité à son égard.

La vérité qui y est exposée est d’une cruauté gravée à l’acide.

Elle devrait surtout faire rougir de honte tous ceux qui, depuis des années, se sont contentés de « servir la soupe » à ce qui fut une très éphémère pseudo-licorne française. L’enfumage constant de Deezer en termes de relations publiques a conduit bien des journalistes complaisants, bien des « experts » autoproclamés et aussi bien des cabinets politiques à soutenir Deezer aveuglément, quitte à sacrifier les acteurs français de la musique en ligne créés à la même époque, qui existaient bel et bien et qui auraient tous mérité leur chance. Pour rappel, Virgin et la Fnac ont tenté l’aventure et y ont beaucoup dépensé ; il y avait aussi MusicMe, Qobuz — heureusement rescapé — et d’autres que j’oublie.

Il n’est pas jusqu’aux dernières initiatives de Deezer dans sa prétendue « lutte » contre les contenus IA qui ne soient de l’intox : de quoi se mêlent-t-ils ? Se cherchent-t-il une cause ? Que ce soit alors, et d’abord, celle de la musique, de la segmentation des offres, de l’augmentation de l’ARPU, de la singularisation puisque au niveau international, comparé à Spotify, Deezer est un nain !

Mais il y a un point supplémentaire à introduire :

Ce que Deezer, à ce jour, nous a légué, c’est un marché français du streaming payant empoisonné par la culture de la gratuité et du freemium à outrance : le gratuit, c’est la culture indécrottable de Deezer depuis le début.

Voyez la facilité qu’il y a à obtenir des mois gratuits chez Deezer, que ce soit par leurs innombrables opérations de recrutement propres ou par les partenariats mis en place. Acheter une cafetière sans se voir offrir un long abonnement d’essai à Deezer confine à l’exploit ! Le seul argument de séduction de Deezer a toujours été d’offrir des mois gratuits, après avoir, au début, raconté que la musique serait gratuite. Ils se sont entêtés sur ce modèle avant de passer au payant, mais de mauvaise grâce. Mais pas abandonné pour autant le gratuit puisque, pendant des années, le pourvoyeur d’abonnés numéro un de Deezer était Orange : des abonnements payés par Orange, offerts à des abonnés téléphoniques qui ne les consommaient pas.1 C’était encore dévaloriser un peu plus la valeur de la musique. Tout le monde avait son abonnement gratuit à Deezer. Dès lors, qui en aurait acheté à la concurrence dans un marché en constitution ?

Pour assurer son triste triomphe, Deezer a aussi brûlé les vaisseaux de ses confrères. Les constantes difficultés de Deezer, maquillées en succès dans les communiqués de presse, ont également compromis l’accès aux investisseurs pour ses concurrents, et finalement abouti à un retard paradoxal sur le streaming payant que la France traîne encore comme un boulet aujourd’hui : Deezer a inventé un modèle d’écoute de la musique, mais ne s’est jamais réellement soucié de créer de la valeur.

Si cela vous intéresse, interrogez Google sur la période 2005-2008 en croisant mon nom à celui de Deezer, et lisez ce que j’y dénonçais alors.

Lire l’article original de Music Zone :

@music_zone

Deezer devient profitable, mais son bilan historique reste dans le rouge

Entre la première ligne de code écrite par son fondateur Daniel Marhely à l’été 2006 et la publication des comptes 2025 de la compagnie par Alexis Lanternier le 18 mars 2026, Deezer aura coûté à ses …

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10 days ago · 2 likes · 1 comment · Philippe Astor

Ivan Fischer : “ J’aimerais qu’il y ait plus de gens qui vivent pour la musique et moins de gens qui vivent de la musique. ”

Il y a quelques jours, j’étais à Budapest — non pas pour surveiller le bon déroulement des élections, mais à l’occasion du Classical:Next. Ce salon existe depuis plusieurs années et se déplace, pour chacun de ses millésimes, dans une ville européenne différente. Je ne suis pas certain d’y retourner l’année prochaine, tant le nombre d’exposants était maigre cette année. N’y ayant fait qu’un saut pour trois rendez-vous, je n’ai pas pu non plus assister à beaucoup de « panels », ces discussions sur scène entre trois ou quatre supposés experts, surtout destinées à se poster avantageusement sur LinkedIn par la suite.

L’organisatrice du Classical:Next, Fabienne Krauze, avait eu la bonne idée d’inviter le chef Iván Fischer, patron du Budapest Festival Orchestra, à prononcer le discours d’ouverture. Après cinq ou six minutes, j’ai réalisé que ce grand musicien allait nous…

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Trois gentilles nouveautés pour commencer :

• Né en Suisse d’un père allemand, Joachim Raff était un autodidacte dont le talent fut repéré par Mendelssohn et Franz Liszt. Il devint l’assistant de ce dernier à Weimar où, brillant, il joua un rôle important dans l’orchestration des premiers poèmes symphoniques de Liszt. Ses relations avec Wagner furent compliquées. De son vivant, la gloire de Raff fut immense : il était parfois plus joué que Wagner ou Brahms dans les années 1870. Mais elle s’est effondrée après sa mort, victime de la polarisation de la musique allemande : les partisans de Wagner le trouvaient trop conservateur, tandis que les partisans de Brahms le trouvaient trop proche des modernistes de Weimar. Son œuvre est énorme et très variée (onze symphonies, des opéras, de la musique de chambre) et elle est redécouverte peu à peu grâce au disque depuis le début des années 1990.

  
  L’opéra-comique Dame Kobold, que publie Naxos, date de 1869. Le livret s’inspire d’une comédie de cape et…

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Il y a quelques jours, j’étais à Budapest — non pas pour surveiller le bon déroulement des élections, mais à l’occasion du Classical:Next. Ce salon existe depuis plusieurs années et se déplace, pour chacun de ses millésimes, dans une ville européenne différente. Je ne suis pas certain d’y retourner l’année prochaine, tant le nombre d’exposants était maigre cette année. N’y ayant fait qu’un saut pour trois rendez-vous, je n’ai pas pu non plus assister à beaucoup de « panels », ces discussions sur scène entre trois ou quatre supposés experts, surtout destinées à se poster avantageusement sur LinkedIn par la suite. J’avais moi-même animé l’un de ces panels il y a deux ans, consacré aux problèmes du répertoire classique dans le contexte de la musique en ligne, et l’expérience fut un peu désespérante en raison de la solide langue de bois de mes invités qui, peu ou prou, se déclaraient satisfaits de la situation.

L’organisatrice du Cl…

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Au cours des derniers mois, je m’étais fait la réflexion que les nouveautés de ce label semblaient mieux présentées et plus soignées. J’ai désormais la réponse : René Martin, désœuvré par ailleurs — et pour cause —, y a consacré toute son énergie. C’est plutôt une bonne chose pour lui, pour nous, et pour les artistes qu’il y défend.

Vous vous en souvenez peut-être encore : à l’automne dernier, l’organisateur de concerts René Martin — celui dont tous les médias baisaient la main depuis trente ans sur la foi de ses dossiers de presse, sans jamais porter la moindre critique ni mener la moindre enquête sur le modèle qu’il avait mis en place (le mot « modèle » étant ici utilisé factuellement, sans jugement) —, René Martin, donc, était professionnellement effacé de la carte en moins de trois semaines.

à lire aussi dans les archives récentes de COUACS INFO…

Ce coup de balai faisait suite à des révélations dont aucun bien-fondé juridique n’a, depuis lors, été confirmé. L’audit commandé par la Ville de Nantes, que l’on nous annonçait dévastateur, n’a pas été, à ma connaissance, publié de sorte que l’on puisse en juger, hors un simple résumé. Quant aux dénonciatrices, on ne sait pas davantage si elles se sont finalement décidées à porter plainte. Mais on a tout de même « jeté aux chiens », comme l’avait dit un certain président de la République, l’honneur d’un homme, et avec lui son travail — quoi qu’on en ait pensé, qualités et défauts compris.

On a ensuite posé en urgence sur son ouvrage des rustines un peu pathétiques qui révèlent la faiblesse, le désarroi, des divers commanditaires ayant financé, entretenu et encouragé l’aventure René Martin. À ces derniers, on pourrait, en miroir des soupçons dont on accable l’intéressé, reprocher tout autant un laxisme de tutelle et une délégation trop lâche, pour ne pas dire fainéante, des missions et décisions artistiques.

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Hélas, le 2 avril est arrivé très vite, dès le lendemain du 1er, et de la lettre de Couacs Info numéro 114 qui semble-t-il vous a fait sourire. On le regrettera jusqu’à l’année prochaine ce 1er avril ! Merci pour vos nombreux et gentils messages à ce sujet, et pardon aux victimes collatérales de mes bêtises. On m’a notamment rassuré sur le fait qu’Alain Lanceron, contrairement aux allégations de Couacs Info, se porte très bien. Il occupe toujours son bureau chez Warner Caciques, le GIGN s'est donc déplacé pour rien, et il continue de produire des disques. Dont acte !

Le Studio 105 de la Maison de la Radio revient. Mais pour quoi y faire ?

Je m’étais étonné dans Couacs, à plusieurs reprises, du sort du Studio 105 de la Maison de la Radio, qu…

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• « Dernier Tango à Baden-Baden » : ARTE programme pour les fêtes de fin d’année une série en six épisodes consacrée à la vie et à l’œuvre de Pierre Boulez. Réalisée par Josée Dayan, elle bénéficie d’un casting exceptionnel.

• Warner Caciques : Alain Lanceron est annoncé sur le départ mais, selon les dernières nouvelles, « celà s’annonce un peu plus compliqué que prévu ». Notre enquête exclusive.

• En direct de Lille : Sofiane Pamart, double Médaille d’Or : de piano au Conservatoire, et de la Ville de Lille. Mais l’artiste est en butte aux actions de Richard Clayderman qui l’attaque à présent et exige devant la justice qu’il sois soumis à un test ADN…

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Personnalité incontournable du disque classique en France depuis 1972, Alain Lanceron continuerait pourtant deux ans de plus à « accompagner » anciens collaborateurs et successeurs. D’après les informations recueillies par Couacs Info, ces derniers, excédés, verraient d’un mauvais œil la persistance d’un mentor qui n’a jamais voulu prendre le virage numérique, qui n’utilise aucun service de streaming et laboure encore ses microsillons pour écouter et réécouter le grelot de Mady Mesplé, celle qui fut jadis sa muse et à qui il doit ses débuts dans le métier.

« Mais enfin, notre chiffre d’affaires…

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Sofiane Pamart est né à Hellemmes, près de Lille, où il a fait ses études. L’épopée lilloise de l’artiste constitue désormais une légende urbaine où le prestige relatif d’une Médaille d’Or de piano obtenue en 2013 (qui sert généralement à accéder à un cycle de Conservatoire supérieur et non à l’Accor Arena) se confond au bling-bling le plus débridé.

Si le jury de l’époque avait validé par cette médaille d’or tant vantée son Ravel et son Chopin, la ville de Lille a scellé un pacte avec Sofiane Pamart en février 2025 en lui remettant une nouvelle Médaille d’Or : celle de la ville, médaille nettement plus assortie à ses bagues qu’à son piano.

Le Conservatoire de Lille à la suite a annoncé frapper un grand coup en agençant, au Nouveau Siècle en cours de rénovation, l’Espace Sofiane Pamart, une salle de solfège révolutionnaire, immersive, strictement réservée aux élèves incapables de plaquer plus de trois accords sans s’emmêler les phalanges. Flatté, l…

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Je vous recommande d’utiliser sur votre smartphone l’application Substack, téléchargeable gratuitement sur les stores (App Store et Google Play). Une fois connecté avec votre adresse e-mail d’abonné, vous y retrouverez non seulement toutes les lettres de Couacs Info, mais vous pourrez aussi prendre connaissance de chaque article publié entre deux lettres.

Je rappelle par ailleurs que pour accéder à l’application ou au site de Couacs Info, il est nécessaire de créer un mot de passe associé à l’adresse de courriel correspondant à votre abonnement (gratuit ou Premium). Lors de votre tentative de connexion au site, un lien vous est adressé dans votre boîte de réception pour vous permettre de vous connecter, mais le mieux est de créer un mot de passe une bonne fois pour toutes. Au besoin, vous pouvez cliquer sur « Mot de passe oublié » pour le créer. De la sorte vous pourrez naviguer librement et de façon permanente sur le si…

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Aujourd’hui 29 mars est célébré le “Piano Day” annuel, bien malheureuse initiative créée à l’origine par Nils Frahm — cette catastrophe prétentieuse —, un pianiste dit « néo-classique » qui a longtemps prétendu dans ses dossiers de presse avoir travaillé avec un élève de Tchaïkovski ! À sa suite se sont engouffrés ARTE TV, les pianistes habituels des gares SNCF et leurs amis, et même Vanessa Wagner (bien sûr). Pour le reste, la liste des événements présentée sur le site du Piano Day expose pas mal de faiseurs et pratiquement pas de pianistes classiques un peu sérieux.

Mais, chez COUACS INFO, c’est le Piano Day toute l’année. J’ai donc sélectionné quelques nouveautés des deux dernières semaines, de fort belle facture, que votre plateforme de streaming aura le plus souvent oublié de mettre en avant ; des nouveautés signées Zhu Xiao-Mei, Kun-Woo Paik, Konstantin Emelyanov et Severin von Eckardstein. Croyez-moi, c’est un peu mieux que Nils Frahm, même si eux n’ont pas travaillé avec un élè…

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La saison des annonces de saison est ouverte, et avec elle, le traditionnel concours de pesée de papier glacé. Rien ne dit pourtant que des dépliants de saison plus modestes, qui feraient chuter de 80 % au moins les coûts d’impression et d’envoi, seraient moins efficaces.

Cette semaine a vu éclore le pudding annuel de la Philharmonie de Paris, dont je n’ai pu prendre connaissance que dans sa version numérique — mais son poids dépassera à coup sûr allègrement les 560 g selon mes estimations : cartonnage 250 g à 300 g pour la couverture, avec pelliculage mat ou vernis sélectif pour le prestige ; et grammage du papier de 90 g à 115 g (papier couché ou offset supérieur) si j’en crois la brochure de l’année dernière, avec une pagination cette fois de 274 pages. La brochure de la Philharmonie de Paris, chaque année, est un objet si dense, si saturé de sémantique politico-administrative, que le simple quidam en vient à se demander si l’ouvrage s’adresse à son plaisir de spectateur ou s’il n’e…

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La difficulté, pour un amateur de musique classique (et d’autres genres également), consiste aujourd’hui à simplement prendre connaissance de ce qui sort — de tout ce qui sort — sans filtres : ni ceux des algorithmes, ni ceux des priorités commerciales, ni ceux des goûts personnels de ces prétendus « experts » employés par les plateformes de streaming, qui ne sont souvent que des consommateurs influencés.

Jadis, le bac du disquaire (du moins à Paris ou dans les grandes villes) était un outil précieux pour suivre l’actualité discographique : même si un disque n’était pas mis en avant, il se trouvait physiquement un jour ou l’autre dans le bac des nouveautés que l’on pouvait explorer. Ce concept n’a pas survécu à la numérisation sur les plateformes généralistes. Que ce soit chez Spotify, Deezer, Qobuz, Apple ou autres, la section « Nouveautés de la semaine » n’est qu’une sélection arbitraire, rikiki, basée sur les critères mentionnés plus haut.

Le seul service en ligne qui effectue aujourd’hui un véritable travail d’inventaire pour le classique et le jazz est

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Ce numéro de COUACS INFO est entièrement consacré à l’actualité discographique, afin de souligner la parution de quelques albums plus ou moins remarquables.

La difficulté, pour un amateur de musique classique (et d’autres genres également), consiste aujourd’hui à simplement prendre connaissance de ce qui sort — de tout ce qui sort — sans filtres : ni ceux des algorithmes, ni ceux des priorités commerciales, ni ceux des goûts personnels de ces prétendus « experts » employés par les plateformes de streaming, qui ne sont souvent que des consommateurs influencés.

Jadis, le bac du disquaire (du moins à Paris ou dans les grandes villes) était un outil précieux pour suivre l’actualité discographique : même si un disque n’était pas mis en avant, il se trouvait physiquement un jour ou l’autre dans le bac des nouveautés que l’on pouvait explorer. Ce concept n’a pas survécu à la numérisation sur les plateformes généralis…

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Charles-Valentin Alkan a enfin été reconnu à sa juste valeur depuis une quarantaine d’années grâce à de grands pianistes qui ont fait connaître son œuvre, Marc-André Hamelin en premier lieu. Passé à la postérité comme un redoutable virtuose, il était admiré par Liszt et fut le voisin immédiat de Chopin et George Sand au square d’Orléans à Paris. Juif érudit et misanthrope, l’homme fut un terreau fertile pour les légendes urbaines : on a, par exemple, souvent prétendu qu’il était mort écrasé par sa bibliothèque en tentant de saisir un exemplaire du Talmud. En tout cas, seules quatre personnes assistèrent aux funérailles de celui qui se déclarait « de jour en jour plus misanthrope et misogyne ».

L’orgue et surtout le piano-pédalier ont tenu une place majeure dans sa production. Pour l’orgue, il n’était pas un simple amateur, ayant remporté le premier prix au Conservatoire de Paris et ayant été nommé, en 1851, titulaire de l’orgue Cavaillé-Coll de…

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